domingo, 16 de julio de 2017

La tentación de la puerta de al lado



la puerta de al lado


TÍTULO: "La puerta de al lado"
AUTOR: Fabrice Roger-Lacan
VERSIÓN Y DIRECCIÓN: Sergio Peris-Mencheta
MÚSICA EN DIRECTO: Litus
INTÉRPRETES: Silvia Marsó y Pablo Chiapella


Las relaciones de vecindad dan para mucho porque en ellas se concentra lo mejor y lo peor de cada uno de nosotros. Pueden darse la solidaridad, la amistad, el odio, la rivalidad, la envidia, el cariño, el amor...

Quizá por ese concepto que yo tengo de las relaciones vecinales, cuando compré la entrada para ver la que sería la última función de “La puerta de al lado” la comedia de gran éxito escrita por Fabrice Roger-Lacan y adaptada y dirigida en España por Sergio Peris-Mencheta, me esperaba otra cosa.

Realmente no sé muy bien qué es lo que me esperaba. Y no, no os vayáis por el camino fácil y penséis que esperaba ver al Amador Rivas de “La que se avecina” porque no es así. Hace más de 20 años que voy al teatro por decisión propia y he visto ya bastante. Como os digo, no sé muy bien qué es lo que esperaba de esta función pero esperaba algo más.

No me malinterpretéis, la función no está mal, nada mal. Es amena, entretenida y te hace pasar un buen rato. Ante todo y sobre todo es una magistral lección de interpretación por parte de Silvia Marsó y Pablo Chiapella que demuestran química entre ellos y gran compenetración.

Hay risas, sí. Incluso alguna que otra carcajada, pero no sé. Me esperaba más del texto, creo que a la premisa de partida, dos vecinos puerta con puerta que no se soportan por ser diametralmente opuestos, el autor le podría haber sacado más jugo. De alguna manera me ha parecido que situaciones demasiado parecidas se repetían una y otra vez.

Además, la evolución de los personajes no me parece demasiado lógica, creo que se llega al final de forma demasiado precipitada. Ya sabemos que del odio al amor sólo hay un paso, pero creo que aquí se ha tratado más bien de un salto al vacío.

En cualquier caso no quiero echar por tierra la obra y el montaje, creo que es una función con la que indudablemente se pasa un buen rato, pero que esperaba que hubiera sido algo más y para mí se quedó ahí.

jueves, 29 de junio de 2017

El hechizo de Ana Moura




VOZ: Ana Moura
GUITARRA PORTUGUESA: Angelo Freire
GUITARRA ACÚSTICA: Pedro Soares
BAJO: André Moreira
TECLADO: Joao Gomes
PERCUSIÓN: Mario Costa

No hace falta decir demasiado para presentar a Ana Moura, tanto los amantes del fado como los que no lo son, saben que es una de las grandes exponentes de este género y que además ha colaborado con otros artistas muy distintos a ella, como por ejemplo los Rolling Stones, siempre con gran éxito. No en vano, es la intérprete de fado que más discos ha vendido en todo el mundo.

La había escuchado cantar muchas veces a través de sus discos, pero el otro día tuve la suerte de verla actuar en directo por primera vez. No me decepcionó.

Su último disco, “Moura”, posee todos los ingredientes necesarios para seducir a propios y a extraños, ritmos pausados, nostálgicos, influencias de otras latitudes como Brasil, y sobre todo la voz y la calidad interpretativa de Ana Moura.

En el directo la artista se muestra segura, confiada, alegre, sabedora de que es muy capaz de meterse al público en el bolsillo tras tan sólo un par de canciones.

Ana Moura es una defensora del fado y de la tradición musical portuguesa, pero también aboga por la fusión musical y la libertad creativa como demuestra con su último trabajo. Dicen que tiene la capacidad de convertir en fado todo lo que entona, y es verdad. Aunque hay que reconocer que a ello contribuyen también los fantásticos músicos que la acompañan, Angelo Freire a la guitarra portuguesa, Pedro Soares a la guitarra acústica, André Moreira al bajo, Joao Gomes en el teclado y Mario Costa en la percusión.

Sólo me queda afirmar tal y como la propia Moura lo hizo en el concierto, que el fado no es solamente una música triste y nostálgica, el fado es como el flamenco y como tantos otros géneros, como la vida misma: unas veces serio y triste y otras veces alegre y hasta bailable como demuestra esta canción que os dejo por aquí.


Nada más que decir, sólo que os atreváis a acercaros al universo de los fados. Os sorprenderá.

martes, 13 de junio de 2017

El padre, mucho más que el drama del Alzheimer

el padre



TÍTULO: "El padre"
AUTOR: Florian Zeller
DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN: Jose Carlos Plaza
MÚSICA: Mariano Díaz
INTÉRPRETES: Héctor Alterio, Ana Labordeta, Luis Rallo, Miguel Hermoso, Zaira Montes, María González.

Cuando uno piensa que va a ir a ver una obra en la que se cuenta la historia de un enfermo de Alzheimer, lo primero que se le pasa por la cabeza es que va a ser triste y dura. Error. Una obra en la que el protagonista es un enfermo de Alzheimer no tiene por qué ser necesariamente triste. A menos no si su autor es el dramaturgo francés Florian Zeller del que ya he hablado aquí al reseñar anteriormente su obra “La mentira”.

En este caso nos encontramos ante “El padre” que el propio autor ha calificado de farsa trágica y que está protagonizada por el grandísimo Héctor Alterio. Que ¿qué es una farsa trágica? Pues aún después de haber visto la obra no sabría explicarlo muy bien. De alguna manera diría que es una obra en la que el trasfondo es trágico pero que contiene muchos elementos que hacen reír al espectador.

Nunca me fío demasiado cuando voy a ver un espectáculo de este “género”. Siempre me parece que de alguna manera algo va a chirriar, o lo momentos graciosos o divertidos no lo serán tanto o bien la tragedia o el drama perderán fuerza. Sin embargo, en “El padre” todo me ha encajado más o menos bien y la he visto de principio a fin con verdadero agrado.

Nadie puede decirnos con exactitud qué es lo que pasa por la cabeza de un enfermo de Alzheimer y quizá esta obra consiga acercarnos un poco a ello. O tal vez no. En cualquier caso lo que se nos plantea no deja de ser plausible. Un hombre mayor aquejado de Alzheimer que no quiere abandonar su casa y unos familiares que no se ven capaces de hacerse cargo de él correctamente. En ningún momento de la representación podemos estar seguros de si lo que estamos viendo son imaginaciones del enfermo o la realidad que está viviendo. Por eso nuestra cabeza está continuamente haciéndose preguntas, ¡qué placer hacerse preguntas en el teatro!

Lo mejor de esta obra es sin duda la demostración del talento de Héctor Alterio, es la cuarta vez que tengo la suerte de verle sobre el escenario y en cada ocasión consigue sorprenderme. Espero tener más oportunidades y que tengamos Héctor Alterio para rato. El resto del elenco, encabezado por Ana Labordeta, es eficaz y consigue darle al texto el ritmo y el tono requeridos.

Lo segundo mejor de la función es la elección de la música. Sí, puede parecer un recurso fácil pero me tenéis que reconocer que cuando vais a ver una peli de terror o de suspense la música es fundamental. Aquí también lo es y Mariano Díaz es el que la firma en este caso. Posiblemente tener Alzheimer sea algo bastante parecido a vivir dentro de una película de terror, con miedo de que todo el mundo esté conspirando contra uno. Algo así es lo que vivimos al ver “El padre” y no voy a decir nada más. Sólo que vayáis a verla.

domingo, 4 de junio de 2017

Una noche en "Garnata"

"Garnata" Jaime el parrón


TÍTULO: "Garnata"
CANTE: Marina Heredia, Jaime Heredia "El parrón"
GUITARRA: José Quevedo "Bolita"
PERCUSIÓN: Paquito González
PALMAS Y COROS: Anabel Rivera y Víctor Carrasco

No entiendo de flamenco. Pero me gusta. Porque siempre defenderé que el arte no necesita ser comprendido para disfrutarse. Cuando se comprende el disfrute es diferente pero no hace falta ser ningún entendido para acercarse a una manifestación artística y sacarle provecho.

No distingo los palos del flamenco. Sólo soy capaz de reconocer las alegrías de cádiz y la guajira flamenca. No me preguntéis por qué pero en esos casos lo tengo claro, por lo demás, me da igual una seguiriya que unos tangos, una bulería o un fandango.

Este desconocimiento mío no ha impedido que haya podido emocionarme y divertirme en la velada flamenca que supone el espectáculo “Garnata” de la granadina Marina Heredia que viene en este caso acompañada de su señor padre, Jaime el Parrón.

Según reza el programa de mano, en este espectáculo se muestran los matices inconfundibles del flamenco de Granada, hago acto de fe y me lo creo. Yo no distingo el flamenco de Granada del de Málaga, Huelva o Sevilla. Dicho esto, el espectáculo me gustó y mucho.

Me siento más atraída por el tiebre y el color de la voz de Marina Heredia que por el de su padre aunque por lo que tengo entendido, él es uno de los grandes. Pues bien, si Marina no es ya una de las grandes, que yo creo que sí lo es. Lo será sin duda en el futuro porque tiene el pellizco al cantar que hace que contengamos la respiración al escucharla y que gritemos ole y bravo cuando termina.

Con su inseparable José Quevedo “Bolita” a la guitarra y con Paquito González a la percusión, Marina consigue transportarnos al Albaicín y al Sacromonte y nos hace creer eso que decía la famosa frase de que “todo es posible en Granada”.

Puede que todo sea posible en Granada o puede que no, pero escuchando a Marina Heredia lo parece. Espero que si no sois entendidos en flamenco, no os dejéis llevar por los prejuicios y acudáis a disfrutar igualmente del espectáculo. Se os abrirán muchas puertas.

domingo, 28 de mayo de 2017

Mágica noite de fado




INTÉRPRETES: Nathalie Pires & Marco Rodrígues


Qué placentero resulta descubrir artistas nuevos que te cautivan desde el primer momento. No pasa siempre pero cuando pasa es mágico y una fuente enorme de alegría.

He tenido la suerte de que esto me ocurriera esta misma semana durante el concierto de Nathalie Pires y Marco Rodrigues, dos jovencísimos fadistas que hicieron las delicias del público con sus voces y sus interpretaciones.

Estos dos artistas no actúan siempre juntos, para nada, son cada uno de “de su padre y de su madre”, cada uno está desarrollando su propia carrera, pero sí tienen algunas cosas en común: ambos son artistas reconocidos y premiados y están considerados dentro de esa nueva corriente de renovadores del fado. Además, ambos cuentan con el aval de alguien tan prestigioso en el mundo del fado como Carlos do Carmo.

En esta serie de conciertos que están ofreciendo conjuntamente, van acompañados de tres magníficos músicos, de los que lamentablemente no puedo citar aquí los nombres porque no figuran en el programa de mano. Boquiabierta me dejó el intérprete de la guitarra portuguesa que demostró una maestría y un virtuosismo sin igual.

Si todavía no sois amantes del fado, os sugiero que os adentréis un poquito en la música de estos intérpretes porque estoy convencida de que os cautivarán también a vosotros.

¿Que qué tiene el fado? Pues ante todo, musicalidad, saudade (nostalgia), delicadeza y una sensibilidad que atraviesa todas las fronteras de territorios e idiomas que se puedan interponer.

Tanto Nathalie Pires como Marco Rodrígues tienen sendos discos en el mercado que se pueden adquirir y ser escuchados en las plataformas digitales, pero si nunca los habéis escuchado, yo os recomendaría que en primer lugar, vieseis alguna de sus actuaciones en directo, porque realmente no hay disco que consiga igualarlas. Y así debe ser cuando de grandes artistas se trata, suenan en directo aún mejor que en las grabaciones.

Os dejo un aperitivo para que vayáis abriendo boca:



Yo por mi parte, ya he incluido a Nathalie y a Marco Rodrígues entre mis artistas de refencia en lo que fado se refiere. Junto a otros como Mariza o Antonio Zambujo del que ya os hablé en otra ocasión.

Ahora que Portugal se ha puesto de moda, es buen momento para ampliar nuestros horizontes y hacer un hueco a estos fadistas en nuestra biblioteca musical, ¿no os parece?



domingo, 21 de mayo de 2017

El cartógrafo o el mapa de una vida










TÍTULO: "El cartógrafo"
AUTOR: Juan Mayorga
DIRECCIÓN: Juan Mayorga
INTÉRPRETES: Blanca Portillo y Jose Luis García Pérez


El buen teatro, como el buen cine o la buena literatura, te hace, sobre todo, sentir. “El cartógrafo” escrita por Juan Mayorga te hace sentir en primera instancia curiosidad y a medida que la obra avanza, vas sintiendo muchas más cosas, entre ellas piedad y emoción.

Nos encontramos ante un obra complicada que cuenta mucho con muy poco. “El cartógrafo” es teatro con mayúsculas de ese en el que los actores son el vehículo para hacer sentir y encoger el estómago del espectador, de ese en que la cabeza del que se sienta en la butaca tiene que estar continuamente dando vueltas, analizando y replanteándose lo que le están contando.

No os preocupéis con esto que os digo, os puedo asegurar que el esfuerzo merece la pena y que lo que sobre el papel parece difícil, dos enormes intérpretes como Blanca Portillo y Jose Luis García Pérez lo hacen mucho más fácil. Como por arte de magia hacen desfilar ante nuestros ojos a un buen puñado de personajes que componen, como si de un rompecabezas se tratara, una historia, la del gueto de Varsovia, o mejor dicho, la de unos personajes que pudieron haberlo vivido.

No sólo eso se trata en esta obra, porque lo que aquí se cuenta también es la que podría ser la historia de cada uno de nosotros, pero eso es mejor que lo descubráis por vosotros mismos.

Muchas cosas quedan fuera de las dos horas de esta función, porque como bien se dice en ella, definitio est negatio (creo que era así), o lo que es lo mismo, definición es negación porque nunca se cuenta una historia al completo, siempre hay que hacerse preguntas y decidir qué es lo que queremos contar y lo que no.

Estas preguntas se las ha hecho aquí Juan Mayorga que además de ser el auto,r es el director de la función. Las respuestas deberá buscarlas el espectador desde el patio de butacas y también mucho después de que el telón haya bajado, porque esta es una de esas historias que no nos abandonan fácilmente y que siguen dando vueltas en nuestra cabeza durante días o incluso, me atrevería a decir, durante meses, lo cual no es mala cosa.

Mientras yo la veía no podía evitar pensar que si conociera mejor la historia de Polonia y del gueto de Varsovia, le sacaría aún más jugo. Eso me ha despertado las ganas de leer sobre ello así que si conocéis alguna historia o relato que se ambiente en ese lugar o esa época, os agradecería la recomendación. Eso sí, tened en cuenta que no estoy muy ducha en la materia.

También me gustaría señalar que ésta es una de esas funciones tras las cuales se agradecería muy mucho un coloquio con la compañía, puesto que estoy segura de que el viaje que han tenido que hacer Blanca y Jose Luis para prepararse para esta aventura ha tenido que ser tremendamente enriquecedor e iluminador.

Lo que sí tengo claro, es que si la vida me da la oportunidad de volver a ver la función, lo haré, y si puede después de haber aprendido algo más sobre la ocupación nazi de Varsovia, mejor que mejor.

Vosotros deberíais hacer lo mismo y no dejar pasar el tren de “El cartógrafo” si es que tiene parada en vuestra ciudad.



domingo, 14 de mayo de 2017

La lucha sin cuartel de Antonia San Juan

"Mi lucha" de Antonia San Juan


TÍTULO: "Mi lucha"
TEXTOS: Félix Sabroso, Pedro Almodóvar...
DIRECCIÓN: Antonia San Juan
INTÉRPRETE: Antonia San Juan


Si decides ir a ver “Mi lucha” de Antonia San Juan, en elgún momento del espectáculo es posible que te remuevas en tu asiento, que no encuentres postura, que te sientas incómodo porque Antonia San Juan no pretende hacer la pelota a nadie y habla sin pelos en la lengua: la maternidad, la prensa amarilla, el matrimonio, la infidelidad, la mala educación, la religión, el qué dirán, el patriotismo, el postureo... son sólo algunos de los muchos temas tocados en sus monólogos.

Solamente con su enumeración inicial de todos aquellos para los que no trabaja, ya podrían (o podríamos muchos) levantarnos del asiento y marcharnos, pero te doy un consejo: no lo hagas, el espectáculo merece la pena.

Según mi impresión, la función va in crescendo, bueno, no del todo, porque empieza nada más y nada menos que con el monólogo de su inolvidable Agrado de “Todo sobre mi madre” y eso es empezar fuerte, pero por lo demás, me parece que el espectáculo va de menos a más haciendo que el público cada vez esté más enganchado a sus palabras y reflexiones, esté de acuerdo con todas ellas o no.

Hay en “Mi lucha” muchos momentos para la risa, la mayoría, pero también los hay para la compasión y para asentir con la cabeza con lentitud y seriedad a medida que vamos escuchando las palabras de Antonia.

Aun con todos los momentos destacables que tiene esta función, me atrevería a afirmar que la recopilación de “Lo mejor de Antonia San Juan” le lleva la delantera, pero claro, aquello es una antología y desde luego, algunos de los monólogos que se pronuncian aquí también serían merecedores de formar parte de esa recopilación en el futuro.

En todo caso, en “Mi lucha” se presenta ante nosotros una Antonia San Juan muy auténtica porque como bien dice la Agrado: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que soñó de sí misma”, y por cierto, si aún no conoces a la Agrado, ya estás tardando en ver “Todo sobre mi madre”.

Para terminar, un aviso a navegantes: este espectáculo no está recomendado para menores de 16 años así que no metas la pata queriendo llevar a tus retoños a ver a Estela Reynolds, que dicho sea de paso, la serie en la que aparecía tampoco debería ser vista por niños. Y una cosita más, tampoco tú debes ir con la idea de encontrar allí a otra Estela Reynolds porque Antonia San Juan es mucho más que uno o dos de sus personajes, Antonia San Juan es, como ya dije una vez, muchas mujeres en una y en esta función lo vuelve a demostrar haciendo y diciendo lo que le da la gana.

viernes, 14 de abril de 2017

El pequeño pony: teatro necesario

El pequeño pony



TÍTULO: "El pequeño pony"
AUTOR: Paco Bezerra
DIRECCIÓN: Luis Luque
INTÉRPRETES: María Adánez y Roberto Enríquez


Existen muchos problemas graves en nuestra sociedad hoy en día pero a mi juicio, uno de los más sangrantes es el acoso escolar. ¿Cómo puede ser que nuestros niños y jóvenes estén sufriendo en sus carnes algo tan terrible y los adultos que debemos protegerlos y proporcionarles seguridad no seamos capaces de poner fin a su sufrimiento?

De este tema tan importante es de lo que habla la obra de teatro “El pequeño pony” escrita por Paco Bezerra y dirigida por Luis Luque. Y lo primero que quiero hacer en esta reseña es dar las gracias al autor por escribir este texto. Creo que todos los padres y todos los educadores deberían ver esta función o al menos, leerla. Se trata para mí de un imprescindible del teatro actual que creo que puede llegar a convertirse en un clásico. Esperemos que no sea así porque eso querría decir que el acoso escolar ha sido erradicado y que ya no serían necesarias funciones como ésta.

En ella vemos a un matrimonio, Irene y Jaime encarnados por María Adánez y Roberto Enríquez. Tienen un hijo de 10 años que, de la noche a la mañana comienza a sufrir acoso por parte de sus compañeros en el colegio. No voy a decir más, creo que no es necesario.

En la obra vemos que no todo el mundo reacciona igual ante una situación de este tipo, que lo que a unos les puede parecer una forma de actuar acertada, a otros puede resultarles una aberración. En este caso yo tenía clara mi postura, pero hasta cierto punto también puedo entender la de la otra parte. A veces no sabemos cuál es el camino adecuado que debemos tomar para tratar de proteger lo que más queremos.

Así, con el curso de los días, el matrimonio formado por Irene y Jaime empieza a resentirse, a enfrentarse e incluso a recriminarse muchas cosas con dureza. Es un lujo asistir a un acto tan íntimo como el que nos plantea esta obra. Las interpretaciones de María Adánez y Roberto Enríquez hacen que estemos durante toda la función en tensión y tratando de tomar partido por uno u otro.

Sólo me resta decir que esta función está inspirada en hechos reales que tuvieron lugar en Estados Unidos en el año 2014. Saber esto hace que todavía se nos erice más la piel al verla.

Una obra muy necesaria. Y creo que no se puede decir nada mejor de una función que pertenece al género del teatro social. Id a verla si tenéis oportunidad, os lo ruego.

domingo, 9 de abril de 2017

¿Todos tenemos un precio?




TÍTULO: "El jurado"
AUTOR: Luis Felipe Blasco Vilches
DIRECCIÓN: Andrés Lima
INTÉRPRETES: Fran Perea, Isabel Ordaz, Usun Yoon, Eduardo Velasco, Víctor Clavijo, Canco Rodríguez, Cuca Escribano, Josean Bengoetxea, Luz Valdenebro.


No me negarás que alguna vez te has preguntado qué pasará en la sala de deliberación de un jurado popular, ¿Habrá muchas discusiones? ¿Muchos cambios de opinión? ¿Llegarán a un acuerdo fácilmente? Ahora gracias a la puesta en escena de la obra “El jurado” de Luis Felipe Blasco Vilches tienes la oportunidad de averiguarlo.

Estamos en la sala destinada al jurado tras un juicio por corrupción al Presidente de una Comunidad Autónoma. Nueve personas se reúnen para decidir si el acusado es culpable o no culpable. Hay que decidir en votación pública si los hechos que se le imputan están o no probados y si por tanto, es o no es culpable.

Como varios de los miembros del jurado dicen, no se trata sólo de juzgar a un político sino de juzgar a una persona a la que la decisión final puede cambiarle la vida.

No voy a contar más porque no tendría sentido. Cuando oímos hablar de este argumento, los que en alguna ocasión hemos tenido la suerte de ver el maravilloso Estudio 1 “Doce hombres sin piedad” no podemos evitar acordarnos de él (por cierto, está disponible en la web de tve). “El jurado” no llega a ese nivel de virtuosismo principalmente porque el texto no es tan potente, pero aún así, se ve con interés y agrado.

Me parece muy buena elección la plataforma giratoria en la que se encuentra la mesa de las deliberaciones en la que nuestro jurado discute y vota. De esta forma, la tecnología permite al público tener diferentes perspectivas de la reunión de los miembros del jurado. No obstante, creo que hay demasiados momentos en los que solamente vemos la mesa girar y escuchamos música mientras vemos a los intérpretes gesticular en lo que parece ser una acalorada discusión. Personalmente creo que hubiese sido interesante que algunas de esas deliberaciones las hubiésemos escuchado y que no se hubiera recurrido tanto a la elipsis en esos momentos.

Las interpretaciones son solventes y están equilibradas, tenemos ante nosotros una galería de personajes bastante diversa de tal forma que cada uno de los espectadores se puede identificar con alguno de ellos en un momento o en otro.

Y sobrevolando continuamente la función se encuentra la eterna pregunta: ¿Será verdad que todos tenemos un precio? La respuesta no te la voy a dar yo, para conocerla tendrás que ir a ver “El jurado”.

domingo, 2 de abril de 2017

Flamenco en la catedral





TÍTULO: "Catedral"
BAILE: Patricia Guerrero
CUERPO DE BAILE: Maise Márquez, Ana Agraz y Mónica Iglesias
TENOR: Diego Pérez
CONTRATENOR: Daniel Pérez
CANTE: José Ángel Carmona
GUITARRA: Juan Requena
PERCUSIÓN: David "Chupete"
DIRECCIÓN ESCÉNICA: Juan Dolores Caballero


Lo puedo decir claramente: Patricia Guerrero es una gran bailaora. Sólo la he visto una vez, pero con eso me basta, está fuera de toda duda. Sólo tiene 27 años pero es capaz de expresar toda la fuerza, la garra y el poderío que el baile flamenco requiere.

“Catedral”, el espectáculo que tuve la oportunidad de ver el otro día, fue galardonado con el Premio Giraldillo al Mejor espectáculo de la pasada edición de la Bienal de Sevilla, ahí es nada.

Se trata de una propuesta diferente y arriesgada, puesto que todo el baile que desfila ante nuestros ojos tiene lugar, nada más y nada menos, que en una catedral. Un lugar donde tradicionalmente el recogimiento y el silencio ocupan el lugar que aquí está reservado a el baile y la música.

Entiendo que se haya premiado este montaje por su originalidad y por el talento de los que en él intervienen, pero en cualquier caso, creo que hay elementos que no le beneficiaban precisamente. El principal de ellos es el vestuario: tanto Patricia como las otras 3 integrantes del cuerpo de baile aparecen en la primera parte del espectáculo con unos vestidos como los que el pasado siglo utilizaban las mujeres de clase acomodada para acudir a la iglesia.

Comprendo que es una forma de situar a los espectadores en el escenario en el que supuestamente nos encontramos pero, no nos engañemos, creo que deberían haberse despojado de ellos bastante antes, puesto que estos ropajes no dejan apreciar claramente los movimientos corporales tan importantes en el flamenco y en cualquier otro tipo de baile. Es más, en una gran parte de la actuación, ni siquiera dejaban ver los pies y si a un bailarín de flamenco no se le ven los pies al zapatear, apaga y vámonos.

Creo que si el cambio de vestuario se hubiera producido antes, la primera parte del espectáculo hubiera ganado indiscutiblemente en calidad, o al menos, creo que gran parte del público lo hubiésemos disfrutado más.

Sí que me gustó sin embargo, la apuesta por esos dos cantantes líricos que mediante cantos religiosos o su simulación, consiguen meternos en situación de una manera prodigiosa.

En resumen, un espectáculo muy recomendable al que eso sí, yo le habría introducido algunos pequeños cambios, pero claro, yo no lo dirijo. En cualquier caso, queda demostrado que Patricia Guerrero es una grande que dará mucho que hablar de ahora en adelante.

domingo, 19 de marzo de 2017

Héroes de carne y hueso

héroes



TÍTULO: "Héroes"
AUTOR: Gerald Sibleyras
VERSIÓN: Tamzin Towsend y Chema Rodríguez-Calderón
DIRECCIÓN: Tamzin Towsend
INTÉRPRETES: Luis Varela, Juan Gea e Iñaki Miramón


Estamos en Francia en 1960. Gustave, Henri y Philippe son veteranos de guerra y viven en la misma residencia, por eso se han hecho amigos.
En la obra “Héroes” podemos verles con sus sueños, sus ilusiones, frustraciones y achaques, pero sobre todo con sus ansias de no sentirse solos, de que se les necesite, de que se les eche de menos.

El autor de héroes es el dramaturgo y también actor francés Gerald Sibleyras, y en este caso, la versión española nos la han traído la directora Tamzin Townsend y Chema Rodríguez-Calderón.

En el programa de mano, la directora califica esta función como una “comedia ácida” en la que detrás de la risa hay tristeza. Yo la calificaría más bien como una “comedia agridulce” porque efectivamente las carencias y las necesidades insatisfechas del ser humano están presentes, pero además de momentos graciosos, también hay momentos dulces en los que los personajes casi sin pretenderlo, nos muestran su cara más humana haciéndose merecedores del cariño del público.

En el año 2006, esta obra recibió en Londres el premio Lawrence Olivier a la mejor comedia. No sé si tal distinción es exagerada o no, ya que la historia no es nada novedosa, aunque pensándolo bien, no se ha escrito nada nuevo desde los griegos. Todas las historias hablan al fin y al cabo de lo mismo, de seres humanos. Ésta no es una excepción.

Gustave, Henri y Philippe, son veteranos de guerra, sí, pero no dejan de ser unos héroes de carne y hueso con los que cualquiera de nosotros podría sentirse identificado.

En realidad, lo que más destacable me parece de esta función son sus 3 estupendos intérpretes: Juan Gea, Luis Varela e Iñaki Miramón. Ellos son las 3 patas que sostienen esta historia y estoy segura de que sólo con cambiar a uno de ellos, “Héroes” resultaría muy distinta. No sé si mejor o peor, pero muy distinta.

Como ya he dicho en otras ocasiones, es un auténtico placer ver a los actores disfrutar tantísimo sobre el escenario, se lo pasan muy bien y eso se contagia. A mi juicio, son ellos 3 los que sobre todo consiguen que enseguida estemos interesados en seguir las peripecias de estos 3 amigos. Porque una vez más lo digo: para ver buen teatro lo imprescindible es un texto, unos buenos intérpretes y un público deseoso de que le cuenten una historia. En “Héroes”, estos tres elementos están presentes. Ahí lo dejo.

domingo, 19 de febrero de 2017

La respiración o el surrealismo hecho teatro




TÍTULO: "La respiración"
AUTOR: Alfredo Sanzol
DIRECTOR: Alfredo Sanzol
INTÉRPRETES: Pau Durá, Verónica Forqué, Nuria Mencía, Pietro Olivera, Camila Viyuela, Martiño Rivas.

Sólo el que ha vivido una ruptura sentimental tras una relación de muchos años, puede entender lo que se siente. Pero si cualquier persona que no lo haya experimentado acude a ver la obra “La respiración” de Alfredo Sanzol” podrá hacerse una idea bastante aproximada.

En esta obra la protagonista es Nagore, una mujer a la que su marido dejó por otra hace un año, tras una relación de 15. Nuria Mencía interpreta brillantemente a esa mujer hundida a la que le cuesta conciliar el sueño por las noches al darse cuenta del vacío de su cama, pero también a esa otra parte de sí misma que quiere salir adelante como sea.

Busca ayuda en su madre, la gran Verónica Forqué, esa actriz que cuando se mete en un personaje te hace olvidar todos los que haya podido interpretar con anterioridad. ¿Y cuál es el consejo que le da su madre? Que se deje llevar por la imaginación, porque la imaginación también es una fuente de sanación.

Todo lo que ocurre a partir de ahí, ¿es realidad o es ficción? No lo desvelaré porque creo que es preferible preguntárselo a uno mismo a medida que se va avanzando en la contemplación de la obra.
Lo que sí diré es que algunas de las cosas que suceden son absolutamente surrealistas, ¿o no? No lo sé, para mí sí que lo son, aunque eso no evita que cualquiera pueda pasar un buen rato viendo esta función.

Porque a pesar de que el tema que se trata es duro, cómo afrontar una separación, Alfredo Sanzol ha querido retratarlo en clave de comedia, una comedia que a veces nos hace simplemente sonreír y que en otras ocasiones provoca carcajadas. Eso sí, a mi juicio, las reflexiones más interesantes que se nos plantean vienen por la boca de Nagore cuando se encuentra abatida y sin fuerzas, creo que esas consideraciones hechas desde el drama son las que más permanecerán en la mente de los espectadores.

De lo que no cabe duda es de que “La respiración” es una apuesta valiente de Sanzol para retratar una problemática muy común en nuestra sociedad de una manera completamente novedosa.

domingo, 22 de enero de 2017

Panorama desde el puente, una obra de actualidad





TÍTULO: "Panorama desde el puente"
AUTOR: Arthur Miller
TRADUCCIÓN: Eduardo Mendoza
DIRECCIÓN: Georges Lavaudant
INTÉRPRETES: Eduard Fernández, Francesc Albiol, Mercè Pons, Marina Salas, Bernat Quintana, Pep Ambròs, Rafa Cruz y Sergi Vallès

Por algo Arthur Miller es un clásico moderno. “Panorama desde el puente” se estrenó por primera vez en 1955, pero parece que se hubiese escrito ayer por la tarde. Y lo que es más y lo que es peor, probablemente, dentro de 50 años, su mensaje seguirá estando tan vigente como hoy en día.

La versión que actualmente podemos ver sobre las tablas está dirigida por el autor y director francés Georges Lavaudant y traducida por Eduardo Mendoza. Ahí es nada.

La verdad es que estamos ante un texto que engancha desde la primera línea, o al menos a mí me atrapó desde la primera frase. Con la aparición en escena de Alfieri, ese narrador omnisciente que hace el papel de testigo de la acción y que al mismo tiempo representa a uno de los personajes que tomarán parte en la acción, el abogado. Ya desde ese primer parlamento el público puede intuir que se avecina una tragedia, pero no quiero adelantar acontecimientos. ¿De qué va “Panorama desde el puente”?

Es difícil decirlo sin destripar parte de lo que va a ocurrir después, así que sólo diré que en esta obra conocemos a Eddie, un estibador afincado en Brooklynn que trabaja duro para mantener a su esposa, Beatrice, y a su sobrina huérfana Catherine, a la que adora. Al comienzo de la función nos enteramos de que unos primos italianos de Beatrice van a llegar a Brooklyn para tratar de ganarse el pan y, al menos durante el principio de su estancia, se instalarán en casa de su prima y de Eddie.

Son muchos los temas que Miller introduce en esta obra: la inmigración, el rechazo a lo diferente, la familia, el amor, el sexo, los celos... pero para ver cómo están tratados lo mejor es que os acerquéis a ver la función.

Baste decir aquí que el reparto está encabezado por Eduard Fernández que encarna a Eddie dándole todos los matices que el personaje requiere, que son muchos, porque Eddie es ante todo un personaje complejo, un buen hombre lleno de contradicciones y, por supuesto, defectos.

La parte femenina del elenco está conformada por Mercè Pons en el papel de Beatrice y Marina Salas en el de Catherine que podría decirse es la desencadenante de todos los conflictos de la función. Esta última, Marina Salas, ha supuesto para mí todo un descubrimiento por su frescura y su buen hacer, ya que aunque la había visto en algunos papeles televisivos, lo cierto es que nunca antes me había impactado como ahora.

Hay algo que no entiendo demasiado bien en cuanto a la puesta en escena diseñada por Jean-Pierre Vergier, ¿por qué utilizar esas butacas y sillas que no guardan una unidad en cuanto al estilo? Me gustaría que alguien me lo explicara porque sospecho que significan algo que yo no he sido capaz de descifrar.

Por lo demás, sólo me queda animar a todo el mundo a ir a ver esta obra de 1955 y a descubrir su rabiosa actualidad.